Auteur : Les Bisseries

Pisse froid professionnel et passionné de genre(s)

A l’affiche: Projet Dernière Chance (2026), Godzilla Minus Zero (2026)

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Projet Dernière Chance: Vous vous en doutez un peu, ici les comédies c’est pas trop notre came… même si on ne crache pas sur un peu de second degré (surtout vu la gravité des thématiques traitées) ou un bon gros nanar d’exploitation autour d’une bière/pizza. La faute à un sens de l’humour un peu trop anglais qui a toujours eu de mal à se retrouver dans l’humour gras ricain ou pire, le politiquement correct français moderne doublé de moraline… Alors qu’est ce qu’une grosse comédie de science-fiction vient faire ici? Hé bien sachez que je suis le premier surpris! Même si Gosling a fait partie un temps de mes acteurs fétiches dans les années 2010, je ne m’attendais franchement à rien en allant voir ce film… Et on ne peut que constater que le bonhomme assure toujours autant, put*in! Au delà d’un équilibre comédie et SF frôlant la perfection, PDC offre un univers cohérent (pas hard SF au sens strict mais pas très loin non plus), une menace crédible, des personnages réussis et attachants (loin des héros traditionnels), une ambiance buddy movie appréciable (et pas débile pour autant), un suspense et au rythme plutôt bien menés, une bien jolie photo et un extraterrestre au design original en prime. Adapté du roman d’Andy Weir (également responsable de Seul sur Mars) et joliment mis en scène par le duo Phil Lord/Christopher Miller, ce métrage au croisement entre Premier Contact et Interstellar (en bien plus léger bien sûr) apporte un vrai vent de fraîcheur (tout à fait bienvenue dans un monde… et un cinéma actuels décidément de plus en plus moroses), alternant émotions, légèreté et tensions. Ca pourrait bien sûr être plus profond ou plus original mais pour une fois c’est bien de se laisser porter dans un blockbuster sans mettre pour autant son cerveau au vestiaire. Sans nul doute un des films les plus mémorables de 2026, à voir seul ou en famille!

Note : Solide

https://www.imdb.com/title/tt12042730/

Godzilla Minus Zero: Une très bonne suite directe à Minus One (déjà chroniqué ici bas) que ce film. Et il est vrai que depuis dix ans désormais, la franchise Godzilla semble loin de ses errances passées! On reprend plus ou moins ce qui a fait le succès du film précédent, à savoir un kaiju impressionnant qui reste un prétexte pour aborder le drame des armes atomiques, leurs effets sur un pays et sa population. Sauf que cette fois, un autre monstre d’origine extraterrestre, King Ghidorah, s’invite à la fête! Si on peut avoir le sentiment que l’histoire est parfois un peu cousue de fil blanc et que le pathos pointe le bout de son nez de façon trop insistante (mais faites taire cette gamine, bord*l!), le spectacle reste quand même appréciable (sur grand écran de préférence pour profiter des majestueux FX) et rondement mené par une jolie distribution. La mise en scène (encore Takashi Yamazaki aux manettes), la gestion du rythme et l’aspect historique sont également au poil. On appréciera particulièrement la fin ouverte (autant pour notre « lézard » mutant que pour le couple de personnages principaux et même pour les futures générations de japonais), la bande originale et le désir de vengeance d’un certain personnage (ça fait du bien de voir autre chose que le biais américain sous toutes ses coutures, finalement). Je reprécise que j’ai vu peu de kaijus jusqu’à présent et que cela peu peser dans mon appréciation du film! Moins d’effet de surprise certes… mais toujours autant de talent, en tout cas!

Note: Solide

https://www.imdb.com/fr/title/tt34384661

L’Envers du Culte: Long Weekend (1978), Blow Up (1966)

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Long Weekend: Survival australien, couple bobo à la dérive, urbains suffisants déconnectés du monde réel, ode à la nature toute puissante, loi du karma, thématique de la maternité (et certainement d’un capitalisme qui va déjà dans le mur), voilà ce qu’est en quelques mots Long Weekend! Porté par la superbe photographie de Vincent Monton (magnifiant les paysages des alentours de Bega), cette virée à la plage le temps d’un… week-end (c’est pas vrai?) pour raviver la flamme va vite virer au tour de force pour ne pas vivre ses derniers instants dans l’outback. Colin Eggleston a cependant l’intelligence de laisser se cumuler les outrages à la faune (amis des bêtes… regardez avec précaution, vous êtes prévenus!) et la flore avant de faire se déchaîner la colère de Mère Nature! Un long pique-nique qui se transforme lentement mais sûrement en huis clos naturaliste… Malheureusement, ce concept a aussi ses limites : à force de rendre les personnages principaux détestables (très bien campés par John Hargreaves et Briony Behets d’ailleurs), on vient vite à espérer qu’ils meurent rapidement, comme dans un mauvais métrage d’horreur ! Du coup, le rythme lancinant du film (entre fantastique pur et paranoïa) devient assez vite pesant… Heureusement le final délicieusement cruel (mais peut être un peu prévisible de nos jours) raccroche un peu les wagons ! Un film méchamment écolo aux ambiances uniques, pourtant réalisé avec trois bouts de ficelle (270 000 dollars à l’époque)!

Note: Curiosité

https://www.imdb.com/fr/title/tt0079482/

Anecdotes:

  1. Désormais classique de l’ozploitation, le film ne connut pas de succès en Australie à sa sortie contrairement à l’international où il a remporté quelques prix. Il a eu droit à son remake en 2008 (avec le même scénariste).
  2. Le scénario est signé Everett De Roche et c’est un de ses premiers longs métrages. Il signera d’ailleurs celui de Patrick, sorti la même année!
  3. Behets, alors épouse du réalisateur, n’a été choisie que dans un second temps pour le rôle principal.
  4. Toutes les scènes ont été tournées dans des décors naturels (en Nouvelle-Galles du Sud). Seules les scènes de conduite de nuit ont été réalisées… dans un garage! Quelques scènes supplémentaires ont toutefois été réalisées en Tasmanie. Le tournage a ainsi duré quatre semaines et demie.
  5. Dans une logique purement fantastique, aucune explication n’est donnée quand aux évènements qui vont s’abattre sur le couple…

Blow Up: Bon disons le très clairement, ce film a tout d’une escroquerie. Une esbrouffe arty et méta devant laquelle il y a de grands chances que vous vous ennuyez comme jamais. Un jeu de pistes sans but à la fin duquel vous n’aurez aucune réponse (plutôt un comble pour un thriller), seulement une longue scène de mimes « jouant » au tennis (sans doute une allégorie d’un foutage de gueule qui a bien trop duré). Comme si l’obsession de son « héros » à propos d’un meurtre potentiel n’était finalement qu’une manière de combler le récit… Des dires d’Antonioni, le film parlerait du rapport à la réalité et par rebond, du rapport à l’image chez le spectateur. Moi j’ai plutôt eu la sensation d’un cinéma abstrait qui adore se regarder le nombril, comme quoi… Je n’ai rien contre les films qui se focalisent sur les errances de leurs personnages quitte à en diluer la trame narrative, Taxi Driver, Lost In Translation ou encore Eyes Wide Shut sont de grands métrages que j’ai plaisir à revoir… mais quand le personnage principal est parfaitement antipathique, ça devient très compliqué! Antonioni qui avait l’habitude de filmer les scènes importantes en fin de tournage (quitte à demander des rallonges aux producteurs) n’a cette fois pas eu gain de cause, ce qui rend le métrage encore plus obscur à appréhender! Il y a tout de même ça et là quelques bonnes idées de mise en scène, des thématiques qui vont influencer de nouvelles générations de réal (Argento, De Palma, Coppola pour les plus connus), le témoignage d’une époque révolue (le « Swinging London » des sixties)… mais avouons le, ce Blow Up, en plus d’être d’une froideur malaisante, a très mal vieilli… En tout cas vraiment pas de quoi s’infliger une purge pareille pour le seul intérêt culturel et historique! Allez voir Blow Out ou Deep Red (grandement inspirés par celui ci, comme dit au dessus), au moins le suspense et l’ambiance paranoïaque sont rondement menés et… il se passe vraiment quelque chose du début à la fin!

Note: Dispensable

https://www.imdb.com/title/tt0060176/

Anecdotes:

  1. L’auteur de la nouvelle dont s’inspire ce film, Julio Cortázar, y fait d’ailleurs un caméo (dans le rôle d’un SDF).
  2. Pour les fans de rock vintage, la scène des Yardbirds est l’un des rares témoignages du bref laps de temps où Jimmy Page et Jeff Beck se partageaient les guitares dans le groupe! Le réalisateur souhaitait d’ailleurs le Velvet Underground, les Who voire même Eric Burdon des Animals en premier lieu.
  3. Plusieurs éléments ont été repeints pour les besoins du film… dont la pelouse de Maryon Park! Complètement glucose le père Antonioni, on vous dit!
  4. Sean Connery a refusé le rôle principal car l’intérêt du film lui échappait (et nous aussi)! David Hemmings qui tient le rôle est un inconnu du grand public quand Terence Stamp décide de quitter le film. Son rôle est d’ailleurs inspiré de plusieurs photographes de mode de l’époque.
  5. La scène avec Jane Birkin et Gillian Hills fit scandale lors de sa sortie. En effet, c’est le premier long métrage à montrer des nus féminins intégraux de façon frontale en Grande Bretagne!

Nanars magnifiques: Zombi 3 (1988), L’Abîme des morts-vivants (1982)

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Zombi 3/Zombie 3: Film attribué à tort à Fulci (déjà bien malade durant le tournage… mais c’était bien plus vendeur de surfer sur le succès d’une pseudo suite de L’Enfer des zombies) alors que c’est bien Mattei et Fragasso derrière la moitié des scènes (le second est aussi au script avec sa femme, Rossella Drudi), Zombi 3 pousse lui aussi les potards du je m’en foutisme au maximum, comme dans tout bon nanar de notre bon Bruno des familles! Alors, c’est un poil moins foufou que Virus Cannibale (quoique!) mais ça reste bien assez débilement divertissant et « monté » correctement (rappelons que Mattei a déjà 20 ans de montage dans les pattes quand il passe derrière la caméra dans les années 1970) pour nous faire tenir jusqu’à la fin. Film d’action/aventures à la logique très fluctuante (à peu près autant que le comportement des zombies qui se mettent à sauter/courir après s’être traîné tout le plan d’avant, façon ninja/vampire chinois), n’attendez aucune scène de tension là dedans… Les décors philippins sont même assez variés et plutôt intéressants. Ce qui fait défaut là encore, c’est le jeu d’acteurs en roue libre, le budget FX (sans cohérence, on passe du vert radioactif au rouge gore puis au noir nécrosé, voire un peu tout à la fois), la bande-originale insipide, le script qui part dans tous les sens (la contamination aviaire, le zombie au sabre et la tête volante, tellement excessifs que ça en devient génial) et la cohésion gloable qui est clairement partie en congés… Et c’est sans doute sur ce dernier point que le foutoir qu’est ce film pêche le plus, avec des faux raccords et des facilités scénaristiques à la pelle! On sait que Mattei et son acolyte ont dû rajouter du temps de pellicule au pied levé après que Fulci soit parti du projet (pour raisons de santé et/ou d’entente avec les producteurs) mais soyons honnête, peu de moments font penser au cinéma de ce dernier (même sur la fin de sa carrière) tellement ça suinte le Z à tous les étages (même en terme de photo, merci les abus de machine à fumer), par contre dans la générosité et la dynamique, on est clairement sur du Mattei pur jus (dans le bon sens du terme donc)! Même dans le nihilisme too much (ici c’est les têtes pensantes de l’armée et les médias qui prennent cher) et le message écolo un brin opportuniste/démago, on sent l’ombre du grand Bruno! Par contre, si jamais vous vous demandez, aucun lien avec Zombi 2 (c’était pourtant le cas dans les premières versions du script), même pas dans l’origine du fléau! On est plus ici sur une compilation de ce que vous avez vu ailleurs (et en mieux) dans le registre zombie, dans le respect du grand cinéma d’exploit’ italien des années 1980: Zombie, Le Jour des morts-vivants, The Crazies, L’Avion de l’apocalypse (no comment), Le Retour des morts-vivants et j’en passe! Mais sans stock shots notables cette fois ci! A réserver en priorité aux fans de nanars rythmés à la production absolument chaotique donc!

Note: Curiosité narnardesque

https://www.imdb.com/title/tt0096511/

Certainement un des rares plans du film signés par et dignes du grand Lucio…

L’Abîme des morts-vivants/Oasis of the Zombies: Et on termine ce cycle avec ce métrage de l’incontournable Jess Franco! Déjà c’est signé Eurociné (avec qui le réal fera bon nombre de films) qui vient de sortir Le Lac des zombies verts devant, marrons derrière (aka Le Lac des morts vivants), donc normalement, vous voyez venir l’arnaque! Mais en plus quand c’est servi par un scénario résumable en trois lignes… c’est dur! J’ai compté, les « zombies nazis de l’oasis maudit où à ce qu’on dit il y a un trésor » (original, n’est ce pas?) ne débarquent qu’une fois le premier tiers du film passé. On ne va pas s’amuser à lister tout ce qui pêche dans ce film (à commencer par son absence de tension, la mise en scène et le montage foireux, le jeu d’acteurs et les effets spéciaux au rabais façon dentifrice pour soigner son psoriasis… quand ce n’est pas un vulgaire crâne en plastique fixé à un manche à balai) mais la seule chose à sauver, ce sont ses paysages exotiques. En dehors de ça, c’est très très lent (et dire que ça se veut un film d’aventures!), convenu, peu gore (quelques nus viendront tout de même interrompre notre sieste) et quand ça démarre vraiment, il reste dix minutes de péloche… et le final est presque encore plus bâclé que le reste ! Effectivement, l’abîme… Franco y est tombé dedans et nous avec! On se demande même parfois le sens de certains plans comme les zooms récurrents sur une minuscule araignée (un des gimmicks de tonton Jess ok, mais encore?)! A noter que la version espagnole sortie sous le nom La Tumba de los muertos vivientes (avec Lina Romay) serait plus fidèle à la vision de Franco que celle remontée par Eurociné… On veut bien le croire! Bref, je me suis donné de la peine pour vous mais vous pouvez vous épargner largement cette souffrance inutile!

Note: Navet dispensable

https://www.imdb.com/title/tt0086486/

Oh non! Encore un spectateur mort d’ennui, Marty!

C’est ici que s’achève notre premier cycle nanar « spécial zombiexploitation », d’autres devraient voir le jour prochainement (mais pour l’instant on va faire une pause, c’est épuisant ces saloperies)!

L’Envers du Culte: Last House on Dead End Street (1977), Aux Frontières de l’Aube (1987)

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Last House on Dead End Street/The Fun House: Souvent cité comme un des précurseurs des snuffs movies avec… Snuff (d’ailleurs lui aussi passablement inspiré par les meurtres sordides de la Manson Family), Last House a longtemps été sur la liste des video nasties. On préfèrera d’ailleurs retenir l’ambiance malsaine au possible qui émane de sa bobine que les soit disant scènes chocs (plutôt tardives) qui tiennent sur un post it et versent plus dans le splatter fauché qu’autre chose. Et puis il faut bien le dire, entre le jeu d’acteurs approximatif, un certain égotrip arty et de sacrées longueurs, le film a bien mal vieilli, et ce malgré la belle brochette de personnages marginaux/ignobles qu’il met en scène! Il aurait d’ailleurs grandement gagné à être un moyen métrage! Pour vous donner une idée du contenu, imaginez un mélange improbable entre les ambiances crades des premiers Abel Ferrara (Driller Killer en tête), la brutalité d’un Massacre à la tronçonneuse et un scénario hyper crapoteux qui tire vers le torture porn… mais le tout avec un budget étudiant (dont l’essentiel ira dans l’achat de drogues… ce qui explique un peu le foutoir ambulant) et une mise en scène presque expérimentale! Reconnu pour son esthétisation de la violence, son caractère méta et volontairement outrancier, ce qui sauve ce premier film de Roger Watkins est ironiquement son message: celui d’une société de plus en plus extrême et avec elle une industrie du divertissement de plus en plus amorale!

Note: Dispensable

https://www.imdb.com/title/tt0076295/

Anecdotes:

  1. La BO est composée de titres achetés bon marché, de chants grégoriens, de parties bruitistes et de synthétiseur. Ce qui colle pas mal avec l’atmosphère étrange du métrage… Une bonne partie du film présente un décalage entre le son et l’image, en effet les dialogues ont été ré-enregistrés après le tournage.
  2. Le choix du titre était évidemment destiné à surfer sur le succès de The Last House on the left de Wes Craven. Les autres titres utilisés sont « At The Hour of Our Death » (titre abandonné), « The Fun House » (version cut) et « The Cuckoo Clocks of Hell » (version uncut qui a été perdue mais aussi… une référence à un ouvrage de Kurt Vonnegut, auteur d’Abattoir 5).
  3. Watkins se tournera plus tard vers une carrière de réalisateur porno sous le nom de Richard Mahler (plus pour payer ses factures que par réelle vocation). Dommage car on aurait quand même bien aimé voir son potentiel dans un film de genre avec un réel budget entre les mains!
  4. Les producteurs ont largement encouragé les rumeurs selon lesquelles ce film était une snuff, au vu des pseudonymes utilisés par le casting (que certains spectateurs prendront pour un cartel mexicain) et la qualité médiocre des images. Ce n’est qu’en 2000 que Watkins sortira du bois pour préciser qu’il était à la fois acteur principal, scénariste et réalisateur du film! Il se passera d’ailleurs cinq ans entre la fin du montage et la projection en salles.
  5. Le bâtiment abandonné (détruit depuis) dans lequel se passe le film était situé sur le campus de la fac où Watkins faisait ses études. Le casting est d’ailleurs lui aussi composé d’étudiants et de professeurs de cette même fac.

Aux Frontières de l’Aube/Near Dark: Réalisatrice trop peu citée mais ayant proposé de sacrés métrages originaux et survitaminés à ses débuts (influence de Cameron aidant?), Kathryn Bigelow signe ici son second long métrage (et sa première réalisation solo). Tout comme Génération Perdue sorti quelques mois plus tôt, Near Dark dépoussière un bon coup le mythe des suceurs de sang (posant une base reprise plus tard par Une nuit en enfer et Vampires), tout en y injectant une bonne dose de romance impossible par dessus, avec une jeune homme attiré par une vampire. Doté d’un sacré casting (vu dans Aliens pour la plupart: Jenette Goldstein, Lance Henriksen, Bill Paxton), ce film propose même de sacrées ambiances crépusculaires (voire post-apo), renforcées par un visuel très « western » (ce que devait être Near Dark tout court mais ce sous-genre n’ayant plus la côte à la fin des 80’s…), la BO de Tangerine Dream et la jolie photo d‘Adam Greenberg. Le seul vrai bémol est une fin un peu convenue (et pas des plus crédibles) et surtout son manque de scènes horrifiques mais Near Dark penche de toute façon vers le drame quand on y regarde de près. Les amateurs de body horror à la Moi Zombie (dont je suis) seront par contre ravis, puisqu’on suit la transformation douloureuse (autant psychologique que physique) du héros en suceur de sang (sans canines surdéveloppées ici) et son « apprentissage » au sein de sa nouvelle famille. A noter qu’ici les humains sont semblent tout aussi amoraux que les vampires!

Note: Curiosité

https://www.imdb.com/title/tt0093605/

Anecdotes:

  1. Le scénario est signé Bigelow et Eric Red, déjà responsable du script de… The Hitcher. Deux œuvres finalement assez proches quand on y réfléchi!
  2. Contrairement à Génération perdue, les vampires présents dans le film obéissent à très peu de règles de métrages vampiriques « classiques ». Nous n’en dirons pas plus pour vous laisser la surprise mais on peut saluer le parti pris! Le mot « vampire » n’est d’ailleurs pas prononcé dans le métrage.
  3. Le film sera un échec à sa sortie mais gagnera ses galons au fil du temps avec sa sortie en vidéo.
  4. Le tournage a duré 47 jours (dont 40 nuits) et s’est déroulé en Arizona, en Californie et en Oklahoma.
  5. D.B. Sweeney et Johnny Depp ont été également envisagés pour le rôle de Caleb, Michael Biehn pour celui de Jesse.

Nanars magnifiques: Le Manoir de la terreur (1981), Virus Cannibale (1980)

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Le Manoir de la terreur/Le notti del terrore/Burial Ground: Dans les métrages italiens (tardifs) surfant sur le succès de L’Enfer des Zombies/Zombi 2, je demande Burial Ground! Et à ma grande surprise, ici on ne lésine vraiment pas sur le crade et le malaise! Je pense évidemment en premier lieu aux maquillages des zombies (renvoyant directement aux zombies putréfiés et suintants de Fulci), parfois grotesques (ça sent quand même le carton-pâte quand les cervelles giclent) mais toujours bien répugnants! Alors oui, évidemment, beaucoup de choses pèchent dans ce film clairement fauché (ça se sent déjà dans son maigre scénario): le jeu d’acteurs général, la cohérence/logique des personnages et des zombies qui passent sans prévenir du débrouillard au franchement débile (et pourtant on en a à revendre de la suspension d’incrédulité ici) dans ce film de siège, les effets spéciaux qui oscillent également entre le craspect réussi et le foutage de gueule, ces personnages de bourgeois peu développés et finalement peu sympathiques qui sont clairement là pour le quota de chair fraîche, l’OST peu mémorable,… Mais sa générosité en gore et en nudité (son réalisateur Andrea Bianchi ira d’ailleurs se consacrer au cinéma porno peu de temps après la sortie du film), sa caméra portée parfois inventive, son rythme (compensant une tension quasi absente), son final cynique et ses jolis décors le sauvent de la liste déjà longue des métrages ridicules de série Z! Et je ne parle même pas de Peter Bark qui incarne un gosse incestueux du plus bel effet… la cerise sur le gâteau si j’ose dire! Bref, Le Manoir de la terreur relève finalement plus du petit film bis d’exploitation sympathique et jouissif (façon plaisir coupable) que du pur nanar. Et si comme moi vous avez été traumatisé par L’Enfer des Zombies, c’est largement regardable!

Note: Curiosité nanardesque, voire Curiosité (tout court)

https://www.imdb.com/title/tt0081248

Bonjour! C’est bien ici la grande bâtisse bourgeoise à « rénover »?

Virus Cannibale/Hell of the Living Dead: Impossible de parler de nanars avec des zombies sans se repencher sur le Virus Cannibale de Bruno Mattei (caché ici derrière le pseudo de Vincent Dawn). Il faut dire que ce stakhanoviste du Z (plus de 50 films au compteur), c’est un peu notre Ed Wood européen à nous (autant vous dire qu’on va en manger du Mattei dans ces cycles nanars)! Mais revenons en au film! Autant vous prévenir de suite: ici les potards de l’excès, du débile et de la repompe sont au max, alors il est difficile de rester objectif! Je commence même à me demander si le Monsieur a sorti des films « normaux », c’est dire! Parce qu’entre le cabotinage violent du casting principal (Franco Garofalo, Josep Lluís Fonoll et Margie Newton en tête), la réutilisation pure et simple des OST des Goblins sur Dawn of the Dead, Blue Holocaust et Contamination (sans avoir les droits, svp!), les effets spéciaux (où on alterne entre les visages à la craie ou au charbon pour les zombies, il ne faudrait pas péter le budget!) et les costumes à la ramasse (les fameux bleus de travail du commando anti-terroriste), ce long métrage ne pouvait que se vautrer! Et je ne parle pas du comportement des zombies, des dialogues et de la cohérence globale! Mais voilà, ce joyeux bordel est tellement assumé et bien rythmé que ça en devient marrant! Sans doute aussi que Mattei et sa petite troupe (dont son complice de toujours Claudio Fragasso, ici co-réalisateur et scénariste) se sont bien amusés sur le tournage et que cela transparait à l’écran! La petite spécialité du métrage, c’est de foutre des stock shots de docu animaliers et de mondos toutes les cinq minutes (ne riez pas trop, certains font plus sursauter que les vrais jumpscares du film). On a droit aussi à de jolis moments improbables: un gosse zombie sur qui les mitraillettes s’acharnent un peu trop longtemps, un chat bien au chaud dans une grand-mère au regard lubrique et surtout Fonoll qui pète un câble avec un tutu! C’est… divin! Que dire de plus? L’ensemble est un croisement entre Cannibal Holocaust et Zombi 2 (voire un soupçon bien foireux d’Apocalypse Now), avec un message tiers-mondiste trop forceur pour paraître honnête! Question sexe et gore, on reste plutôt sur notre faim. Bref, vous l’aurez compris, Virus Cannibale est à voir d’urgence avec des amis, quelques bières et des pizzas! Et puis, pour une fois dans ce cycle, la fin est pas mal!

Note: Curiosité nanardesque

https://www.imdb.com/title/tt0082559/

Virus Cannibale ou l’art du cabotinage de A à Z

Nanars magnifiques: L’Avion de l’apocalypse (1980), Le Lac des morts-vivants (1981)

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Bien que n’étant pas du tout adepte du visionnage volontaire de ce genre de films (bien au contraire même), on s’autorisera de temps à autres, quelques nanars ou navets mémorables du genre! On a grandi avec Nanarland après tout! Et on commence avec une salve de six films européens autour de la figure du zombie, tentant de surfer sur les succès de Romero et Fulci!

L’Avion de l’apocalypse/Incubo sulla città contaminata/Nightmare City: Quand un film bis sort sous plusieurs titres (je ne vous ai cité que les trois principaux mais sachez qu’il y en a au moins trois de plus) et est issu d’une co-production entre plusieurs pays (ici Italie, Espagne et Mexique)… généralement ça pue! Et disons le clairement, cet Avion de l’apocalypse schlingue salement ma bonne dame! Pourtant au moment de sa sortie, Umberto Lenzi est loin d’être un jeune premier dans le cinéma italien d’exploitation et affiche même un peu plus de dix ans au compteur. Second choix des producteurs, il propose même de retoucher le scénario, en s’inspirant de la catastrophe de Seveso. Et c’est bien ça le plus rageant: sur le papier, le film avait tout pour devenir un carton (ou au moins un film honnête), entre ses multiples décors, son message écologique (et bien nihiliste sur les bords) n’épargnant ni les médias ni l’armée, son rythme vitaminé, l’ampleur du script, le gore généreux,… Hélas entre ses effets spéciaux carrément aux fraises (on alterne ici entre le zombie tuméfié bleu à la Romero et celui avec des croûtes de pizza sur les joues parce bah qu’on a pas le temps Janine!), son jeu d’acteur complètement aléatoire qui fleurte souvent avec le cabotinage assumé (certains figurants jouant parfois mieux que les acteurs principaux), ses personnages stupides, son absence de tension, ses incohérences nombreuses, on ne peut que classer le film dans les vrais nanars répétitifs des familles (et pas spécialement funs du coup). Reste le concept du zombie « infecté » (même si on tire bien vers le vampire par moments), capable de courir, d’utiliser des armes, de se coordonner, de saboter, de tendre des embuscades… dont ce film est complétement précurseur. Ainsi qu’une fin étonnante qui oscille entre la facilité scénaristique et la boucle temporelle. Mais quoiqu’il en soit un long métrage bien indigne du génie d’un artisan comme Lenzi!

https://www.imdb.com/title/tt0080931/

Note: Nanar dispensable

Regardez moi cette férocité, cette détermination dans le regard!

Le Lac des morts-vivants: Célèbre pour avoir eu une production chaotique (Jess Franco quittant le projet la veille du tournage, scénario retouché sans cesse pour économiser trois francs six sous, caméras défectueuses,…), ce métrage de Jean Rollin (sous pseudonyme ici, vu le désastre) est sans doute LE nanar dont j’ai toujours entendu parlé depuis ma plongée dans le cinéma d’exploitation il y a déjà vingt ans de cela. Et on ne peut pas dire que sa réputation soit usurpée… Pourtant avec un plan dénudé dès le début, il y avait espoir! Comme dans beaucoup de films de Rollin, le rythme est contemplatif, voire chiant et une part belle est laissée aux jolis environnements ruraux (ainsi qu’aux appendices mammaires). Le bougre a donc pu y laisser sa patte et… il passe même faire un coucou le temps d’un caméo (avec un jeu aussi déplorable que le reste du casting). Sur tout le reste, aucun suspense, le bât blesse et pas qu’un peu: effets spéciaux à la ramasse (vous reprendrez bien un peu de vert pastel?), jeu d’acteur inexistant, mise en scène, cohérence narrative, rythme totalement aux fraises et bande-originale très moyenne. On ne va pas se mentir, c’est une souffrance à regarder, d’autant plus que le film ne raconte pas grand chose et que question gore, c’est très avare! On a un léger sursaut au milieu du film avec les flashbacks autour du lac maudit (avec des jolis stock shots des familles) mais ça repart dans le néant juste après… La principale trouvaille du film est sa « poésie » entre un zombie et sa fille (allez voir le film, ça serait long à expliquer) suivi… d’un duel de zombies et de jolis plans aquatiques dans…*ahem*… une piscine (même si ça reste surtout un prétexte pour se rincer l’œil). Ce qui est sûr, c’est qu’on est loin des Raisins de la mort (pas un monument du genre mais au moins ça tentait quelque chose)! Bref, un joli navet signé Eurociné, à réserver aux fans des faux raccords!

Note: Navet dispensable

https://www.imdb.com/title/tt0081027/

Un budget maquillage vraiment effrayant!

Bisseries: 8MM (1999), The Tingler (1959)

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8MM: Décidément, on aime bien graviter autour des snuffs en ce moment! Et ça tombe bien car c’est justement l’incursion que nous propose ce thriller tendu et poisseux de Joel Schumacher, à travers l’enquête d’un détective privé sur une jeune femme disparue (et supposément assassinée face caméra)! Côté casting, Cage, Phoenix, Stormare et Gandolfini tiennent parfaitement leur rôle. Si on est un peu « familier » avec cet univers déviant, le film manque peut être un peu de surprises (les personnages un peu clichés n’aidant pas) mais on appréciera tout de même cette descente dans la perversité humain gratuite mise en scène tout en suggestions (si vous cherchez du graveleux, rebroussez chemin), le rythme rondement mené et le virage vigilante que prend le métrage à la fin, devant l’horreur progressive (et contagieuse) des découvertes dans les sex shops de Los Angeles et les bas fonds désaffectés de New-York… Et puis, pour une fois que Nicolas Cage ne cabotine pas à mort…

Note: Curiosité

https://www.imdb.com/title/tt0134273/

The Tingler/Le Désosseur de cadavres: A force d’entendre parler des filouteries inventives de William Castle, il fallait bien commencer quelque part! Porté par un Vincent Price qu’on ne présente plus (signalons aussi Patricia Cutts dans un rôle savoureux), cet avant gardiste métrage de body horror se révèle surprenant et rondement mené. Le concept: en cas de peur intense, un parasite présent dans la colonne vertébrale vous brise littéralement les os si vous ne pouvez pas crier… Alors, oui, on peut trouver cette série B cheap ou bavarde comme beaucoup de ses congénères des 50’s mais le métrage est bien ficelé et regorge de bonnes idées, installe le doute a plusieurs moments et a un final savoureux. Alors, que demander de plus?

Note: Curiosité

https://www.imdb.com/title/tt0053363/

A l’affiche: Faces of Death (2026), Backrooms (2026)

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Faces of Death: J’espère que je ne vous apprends rien en vous disant que le premier Faces of Death (1978 donc) et ses suites ont fait partie des sagas de mondos cultes des années 1970 et 1980. Evidemment, depuis le temps, on sait qu’une large part du documentaire était complètement mis en scène. Faces of Death version 2026 revient donc avec le postulat suivant: tout ce qui se passe dans le Faces of Death originel (que je n’ai pas encore vu) est réel et cet obscur métrage déviant devient un objet de culte pour un psychopathe très motivé à refaire son propre remake… Non content de remettre cette franchise de mondos au goût du jour avec cette petite variation bien sentie, Daniel Goldhaber a aussi l’intelligence de l’immerger dans le monde actuel et ses dérives (notre rapport à la violence, harcèlement, réseaux sociaux, dark web, influenceurs, recherche de célébrité rapide, forums Internet,…), son humanité décidément capable du pire comme du meilleur (mais surtout du pire), pour un propos plus pertinent. Porté par deux jeunes acteurs principaux talentueux (Barbie Ferreira et Dacre Montgomery), le film propose une première partie très prenante et même si la seconde n’évite pas certains clichés et une écriture plus prévisible, cela reste une jolie curiosité bien rythmée et mise en scène à se mettre sous la dent… surtout si vous aimez les thrillers horrifiques méta et les enquêtes poisseuses sur des snuffs qui virent en survival (dans la lignée d’American Sweatshop)!

Note: Curiosité

https://www.imdb.com/title/tt14619456/

Backrooms: « Enfin un peu de fraîcheur dans un cinéma de genre moderne qui a vite tendance à tourner en rond! » C’est avec cette impression que je suis sorti de ce Backrooms. Il faut dire aussi que Kane Parsons, son jeune réalisateur, n’est pas un inconnu dans cet univers aussi énigmatique que vertigineux puisqu’il réalise la série web à succès du même nom depuis 2022. Bien rythmé, pas trop long, intrigant et angoissant sans en faire trop (grâce à un joli jeu sur l’espace, le son, les effets de l’exploration de ses « salles » illogiques et hors du temps sur la psyché de ses visiteurs, un explicatif plutôt sommaire que chacun s’approriera), Backrooms réussit le cap de la transformation de cette creepypasta virale (inspirée par La Maison des Feuilles) en long métrage, à commencer par ses impressionnants décors dont suinte une étrangeté minimaliste au potentiel cauchemardesque presque infini (car universel). Bien mis en scène (c’est produit par A24 en même temps) et interprété par le duo Chiwetel Ejiofor/Renate Reinsve, c’est même clairement une des très bonnes surprises de cette année bien terne! Evidemment, on pense à quelques références du genre pendant le visionnage (parmi lesquels Shining, The Texas Chain Saw Massacre, Cube, Twin Peaks et le cinéma de Lynch de façon générale, The House) mais rien de suffisamment trop proche pour que cela soit perturbant! Les influences, elles, seraient plutôt à chercher du côté de Punishment Park ou encore One Hour Photo. Peut être un petit bémol sur la fin qui fait un écho forcé à l’introduction alors que le métrage fonctionne très bien sans! Une suite serait visiblement déjà prévue… ce qui est franchement moins enthousiasmant!

Note: Solide

https://www.imdb.com/title/tt26657236/

Bisseries: La Dame rouge tua sept fois (1972), The Cannibal Man (1971)

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La Dame rouge tua sept fois/La dama rossa uccide sette volte: Commençant sur les chapeaux de roue avec une légende de malédiction familiale (dont le titre est une référence directe) sur fond de château médiéval, on se dit qu’on tient enfin un giallo qui sort du lot. C’est vrai qu’avec ses superbes décors, sa photographie, sa mise en scène, sa galerie de beautés de l’époque (la divine Barbara Bouchet mais aussi Marina Malfatti, Pia Giancaro, Sybil Danning,…), La Dame en rouge a tout de quoi charmer… sur le papier! Un joli giallo teinté de fantastique (alternant entre cadre gothique et milieu de la mode) mais qui, il faut bien le reconnaître, reste un peu avare sur le reste (sauf en meurtres inventifs, c’est vrai): peu de nudité, peu de sous texte social/politique, un casting masculin en deçà de son homologue féminin (et de façon générale beaucoup trop de personnages),… de quoi rester sur notre faim! Heureusement le rythme est bon et tient bien le suspense jusqu’à une fin prévisible (surtout si on a vu avant le très bon L’Appel de la chair du même réal) et surtout expéditive à mon goût ! On a encore d’ailleurs droit ici à une Evelyn vengeresse, à une belle famille de bourgeois tordus et aux jolies musiques de Nicolai ! Mais on est en 1972 et soyons clair, il est sorti bien de plus mauvais gialli cette année là!

Note: Curiosité

The Cannibal Man/La Semana del asesino: Voilà un film espagnol atypique qui a dû inspirer des métrages de psycho-killers à venir comme Maniac ou Schizophrenia! Partant d’un postulat plutôt basique (pour cacher un homicide involontaire, un homme commence à décimer son entourage), The Cannibal Man se révèle bien plus un drame psychologique d’auteur (d’ailleurs inspiré du Boucher de Chabrol) qu’un bête film d’horreur d’exploitation. D’ailleurs si vous êtes venu chercher du gore généreux, vous serez sans doute déçu! Porté par une mise en scène réaliste, sobre mais efficace et l’interprétation possédée de Vicente Parra, le film livre également une photographie de l’Espagne franquiste finissante alors en pleine mutation (les gratte-ciels remplacent progressivement les maisons, les machines menacent les ouvriers et les amours impossibles entre classes sociales ne finissent jamais bien). Loin d’être un monstre sanguinaire, Marcos est un homme ordinaire, si englué dans sa routine et terrifié par les conséquences de ses actes que seule une amitié (au sous texte homosexuel évident mais charcuté au montage, thématique très présente dans la filmographie de La Iglesia) permettra de stopper la fuite en avant! On appréciera également le cadre urbain, délabré, nocturne et suffocant qui contribue grandement à l’aspect poisseux de ce conte macabre! Noé s’en inspirera d’ailleurs pour son magistral Seul contre tous!

Note: Curiosité

Bisseries: L’Appel de la chair (1971), Self Driver (2024)

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L’Appel de la chair/The Night Evelyn Came Out of the Grave: Giallo mal aîmé d’Emilio Miraglia doté d’un joli casting (Anthony Steffen, Marina Malfatti, Enzo Tarascio,…) et de superbes décors, L’Appel de la chair prend d’emblée le parti de faire du héros un personnage détestable (autant que sa classe sociale) et torturé (Anthony Steffen excellent dans son rôle) par les visions récurrentes de sa femme défunte. Généreux en nudité et influences gothiques (ce qui sera aussi le cas dans La Dame en rouge tua sept fois, le giallo suivant de Miraglia), superbement illustré par la musique de l’incontournable Bruno Nicolai, le métrage est rondement mené jusqu’à un dénouement que certains trouveront un peu too much à force de rebondissements (qui rappellera La Baie Sanglante dans sa chasse à l’héritage en famille)… mais il n’empêche que L’Appel de la chair fait assurément partie du haut du panier des giallis du début des seventies, ne serait ce que pour sa mise en scène efficace (et ses jolies rousses, bien sûr)!

Note: Solide

https://www.imdb.com/title/tt0067487/

Self Driver: Cela fait bien longtemps que l’on n’était pas tombé sur un huis clos motorisé (on se souvient du sympathique Locke)! Prenant le prétexte d’un chauffeur de VTC au bout du rouleau (impeccable Nathanael Chadwick) découvrant que son adhésion à une nouvelle application de courses pourrait l’emmener dans des dilemmes moraux et physiques de plus en plus périlleux que ne compenseront pas une rémunération pourtant alléchante, Self Driver explore, à l’instar des vieux métrages de Refn, des bas fonds urbains aussi sombres que les sociétés modernes et aliénantes qui n’en finissent plus de déshumaniser ses membres. Dommage que quelques tics comiques et psychédéliques viennent désamorcer à plusieurs reprises la tension présente dans cette descente aux enfers… Self Driver reste une jolie curiosité prenante et efficace malgré un budget serré!

https://www.imdb.com/title/tt21072230/

Note: Curiosité