Wicked City/La Cité Interdite: Si d’Hideyuki Kikuchi, on retient surtout Vampire Hunter D, Wicked City est une autre de ses franchises cultes, sorte de version adulte et extrême de Demon CityShinjuku (du même auteur). Servi par de jolies animations fluides et effets de lumières, cet OAV de Yoshiaki Kawajiri (qui adaptera également d’autres œuvres cultes de Kikuchi par la suite) narrant un Japon en proie à une dissidence démoniaque (remettant en cause le traité de paix entre humains et démons) se distingue par son body horror inspiré (renvoyant directement aux œuvres phares du genre: The Thing, Alien, Videodrome et consorts)… tout autant qu’un aspect sexuel direct et assumé (le hentai n’est jamais très loin)! Et clairement, ce Wicked City vieillit bien, notamment grâce à un twist final qui met un peu de sens dans cette débauche de sexe et de violence! Si comme moi, vous aimez les polars urbains nerveux et hardboiled bien infusés d’horreur, foncez… même si cet anime n’évite pas quelques lourdeurs, comme le professeur Maiyart, particulièrement lourd et cliché…
The Feast: Même s’il est vrai qu’il met pas mal de temps à entamer les hostilités, ce long métrage de folk horror saura combler les plus téméraires d’entre vous! Servi par une mise en scène froide, minimaliste mais terriblement esthétique me rappelant les monuments Antichrist ou Midsommar (d’autres parlent du cinéma de Lanthimos), un rythme lancinant donc et une Annes Elwy terriblement inquiétante et magnétique, The Feast dresse également un portrait sans fard d’une famille bourgeoise complètement déconnectée et corrompue (où les victimes sont aussi -voire plus- étranges que le chasseur). Une relecture intelligente et moderne des légendes folks galloises. Inutile de vous attendre à des grands moments de gore par contre, Lee Haven Jones ayant choisi de favoriser les hors champs et la suggestions… ce qui rend son film encore plus insidieux!
Tesis: Plongée dans les limites entre fiction et réalité avec le méta Tesis, premier long métrage d’Amenábar (découvert pour ma part avec l’excellent Les Autres) explorant l’univers suffocant des snuffs movies. On suit ici une étudiante en cinéma qui s’intéresse à la violence audiovisuelle pour son mémoire. Accompagné d’un autre étudiant érudit dans l’univers du cinéma de genre, elle va découvrir que sa propre université aurait peut être un lien avec une étudiante disparue dont le meurtre a été filmé… Même si le film a mal vieilli (seulement 696 000 euros de budget), il interroge intelligement notre rapport voyeuriste aux images et plus précisément au graveleux, à la violence, au morbide (autant te dire qu’on est bien concerné ici ah ah), dans la lignée de Vidéodromeet Funny Games. Et cette réflexion renforce le côté dérangeant de cette thématique, même si finalement elle reste globalement assez suggestive ici. Même si les interprètes principaux (Ana Torrent, Fele Martínez) portent le film avec leur duo improbable, on ne peut que déplorer en revanche que le personnage d’Ángela ne soit pas particulièrement attachant. De la même manière, une longueur excessive et des ficelles scénaristiques peu subtiles plombent également le visionnage. Mais pour un début ça reste foutrement intéressant, avec une jolie mise en scène, des personnages délicieusement ambigus et une ambiance paranoïaque en prime (comme De Palma en son temps)!
Run and Kill: Retour à la Catégorie III avec ce Run and Kill! Le quatrième métrage de Billy Tang (tout juste sorti de Dr Lamb) n’est ni plus ni moins que l’histoire de la descente aux enfers d’un homme trompé qui paye le prix fort de ses mauvais choix (et son manque de chance)! Polar poisseux à souhait, cruel et gore, le film est de ceux qui dépeignent une humanité particulièrement laide, brisée et sans espoir (comme beaucoup de métrages classés Catégorie III finalement). Bien mis en scène et joliment rythmé, il est impossible de s’ennuyer devant! Il souffre néanmoins d’un défaut majeur: son aspect comique peu subtil qui désamorce trop vite les scènes de tension et l’empathie qu’on est censé ressentir pour le personnage joué par Kent Cheng (pourtant déjà bien assez lâche et pathétique dès le départ pour en rajouter une couche). Une scène particulièrement atroce à la fin du métrage devrait néanmoins hanter vos esprits pour longtemps… Signalons évidemment la prestation mémorable de Simon Yam dans le rôle d’un tueur psychopathe rescapé du Vietnam!
Star Time: Film de psycho-killer visiblement peu connu en Europe, Star Time est un joli petit OVNI des nineties. Avec une approche stylisée très proche du cinéma de David Lynch (avec une bonne louche de critique médiatique à la Videodrome tout de même), ce premier long métrage d’Alexander Cassini, sorti deux ans seulement après Twin Peaks, reprend à son compte le mélange entre contemplation, étrange et grotesque propre au regretté cinéaste. Timeline (volontairement) floue, traumas, fantasmes, hallucinations, si comme moi, la part psychologique et « sensorielle » d’un film d’exploitation vous motive plus que voir de la bidoche toutes les cinq secondes, Star Time est peut être bien le cauchemar fiévreux qu’il vous faut! Dommage que le film reste trop « sage » par moments… Portée par une belle mise en scène et la prestation de Michael St. Gerard, parfait dans son rôle de paumé assoiffé de gloire télévisuelle (comme le reste du casting principal: John P. Ryan en mentor diabolique, la jolie Maureen Teefy en assistante sociale prise au piège), si vous pensiez voir un slasher de plus… vous risquez d’être surpris!
Vicious Fun: Ayant perdu l’essentiel des notes prises pendant ce visionnage (qui date), je vais essayer de faire au mieux avec mes souvenirs… Comédie « méta » dans la droite lignée de Shaun of The Dead, ce métrage joue avec habileté des codes et clichés des slashers des 80’s avec son histoire de critique de zine horrifique se retrouvant par erreur dans une réunion de serial killers. Bien rythmée, joliment mise en scène, le film est foncièrement drôle sans être lourd et rend de la même manière un joli hommage aux films de genre sans être putassier! Portée également par une jolie brochette de personnages et du gore généreux, Vicious Fun est le genre de comédie sans prétention qui se révèle inventive et très agréable à regarder, avec un bon équilibre entre horreur et comédie!
A Tombeau ouvert: Même s’il n’est pas le meilleur Scorsese (ni le pire), ce métrage possède une ambiance badante à souhait qu’on aura du mal à trouver ailleurs (on pense à plusieurs reprises à Taxi Driver… forcément ou même à Night Call). Cage, Goodman et Arquettecampe un trio parfait de personnages abîmés par la vie dont les destins se croisent (mais qui est parfaitement intact dans ce film en même temps?). Alors oui, par moments, il ne se passe pas grand chose (à l’instar du quotidien du Frank Pierce) et ça manque quand même de subtilité par moments mais la mise en scène ingénieuse du Monsieur, la photographie de Robert Richardson, l’univers nocturne désenchanté de ces ambulanciers et les récurrentes hallucinations morbides du personnage principal font passer la pilule sans (trop de) mal! On retrouve bien évidemment les thématiques chères à l’italien: la mort (et même l’euthanasie ici), la religion, les personnages déglingosses, la dope et même une bonne pincée de comédie! Notons également une belle BO bien rock! Alors i vous souhaitez faire un grand bain dans les bas fonds de la Grande Pomme…
Alucarda: Joli mélange de folk horror, sorcellerie et nunsploitation que ce métrage mexicain à l’esthétique européenne très 60’s-70’s (amis de la Hammer, foncez!). On pense plusieurs fois à Blood on Satan’s Claw, Dark Waters voire à certains films de Jess Franco (excusez du peu!). Efficace avec peu (malgré une certaine générosité en nudité et en effets gore) et mettant en scène avec efficacité des thèmes récurents du cinéma d’épouvante comme la possession, le pacte avec le Malin, l’opposition entre bien et mal, science et foi, voire les paradoxes religieux ou la normalité tout court, cette adaptation libre du classique Carmillabrille donc par une certaine subtilité dans le propos comme dans ses atmosphères étranges, surréalistes et gothiques! Porté par l’excellente Tina Romero et la jolie mise en scène de Juan López Moctezuma (notamment dans ses scènes d’extérieur), ses seuls véritables points faibles est que le film arrive un peu tard dans les seventies pour véritablement marquer les esprits… et un final un peu décevant, il faut bien le dire!
Censor: Surprenant film ayant pour thématique principale les video nasties (auxquelles on consacrera un cycle tôt ou tard, ne serait ce que pour compléter un peu notre watch list, même si un certain nombre sont déjà chroniquées ici) et la rigidissime époque thatchérienne qui va avec, il faut bien avouer que Censor contient de bonnes idées de mise en scène et une imagerie vintage réussie (passablement inspirée par le giallo), au delà de cette sympathique mise en abyme qui régalera tout amateur de genre (les yeux les plus affûtés reconnaîtront des extraits de Frightmare, Driller Killer ou encore l’excellent Cauchemars à Daytona Beach). Premier long métrage de Prano Bailey-Bond, ce thriller psychologico-horrifique, porté par la solide Niamh Algar, se distingue aussi par l’ambiance psychotique créée, entre rêves, cauchemars, obsessions et souvenirs du passé (avec une belle lichette de Lynch). Après toutes ces belles propositions, on ne peut que regretter les ressorts tout de même un peu prévisibles de son récit. Dommage…
Hardware: Ayant entendu parler de ce métrage pour sa BO et le caméo de divers musiciens rock (Fields of Nephilim, Motörhead, P.I.L., Iggy Pop, Ministry, GWAR), il était temps d’enfin passer le pas. Et ma foi, on tient là un représentant tout à fait honnête du cinéma cyber-punk/post-apo! Son réalisateur/scénariste n’est pas un parfait inconnu aujourd’hui puisqu’il s’agit de Richard Stanley, peu productif mais qui s’était illustré il y a quelques années avec (le prometteur mais décevant) Colour Out of Space. Et dès l’intro, on sent qu’on a affaire à un film bis unique et généreux que l’histoire aurait oublié: élements électroniques omniprésents, huis clos urbain, monde dévasté par l’arme atomique, population entassée dans des villes crasseuses où l’on rationne aussi bien la nourriture que l’on contrôle les naissances, membres bio-mécaniques,… si ces éléments (de moins en moins SF hélas) peuvent vous paraître familiers aujourd’hui, ils l’étaient bien moins au moment de la sortie du film (pour rappel, nous sommes neuf ans avant Matrix et un an avant Terminator 2). Terminator, Soleil Vert et RoboCop sont évidemment les grosses influences de ce premier long métrage. Porté par la performance de (la trop rare) Stacey Travis et une belle photographie (ah ce filtre rouge/orange!), Hardware reste un film ingénieux, oppressant, sans concession et plutôt convaincant vu son ridicule budget (1,5 millions de dollars)!
Hé! Si je vous disais qu’un des meilleurs films de mort-vivant est totalement inconnu au bataillon, y compris chez les bisseux?Et qu’il est l’argument parfait pour vous pousser à tenter le visionnage de films à priori fauchés et mal notés… qui se révèlent être de parfaites pépites?
Premier long métrage de l’anglais Andrew Parkinson, I, Zombie (connu également sous les titres francophones Moi, Zombie: Chroniques de la douleur ou Mémoires d’un zombie) est une variation très originale sur la figure du zombie sous la forme d’un drame psychologique, horrifique et introspectif. Le scénario (signé Parkinson également) est pourtant extrêmement simple: Mark, un jeune botaniste se fait mordre par un zombie lors d’une balade champestre. Nous allons alors le suivre dans son petit appartement, au quotidien, dans ses observations/pensées (en bon scientifique qu’il est), sa recherche de chair humaine, spectateur de sa lente dégradation physique/mentale… Car oui, malgré sa nouvelle « maladie », la conscience de notre héros, elle, ne pourrit pas. Huis clos physique, mental et matériel (l’appartement du protagoniste) donc, entrecoupé de souvenirs/rêves/hallucinations (quasi expérimentales par moments) et de changement de points de vue (apportant un peu de « légèreté » au récit et montrant quelques scènes d’extérieur), I, Zombie utilise également une voix off, une des grandes forces du film, évitant tout dialogue superflu ou subterfuge artificiel de mise en scène (plutôt ingénieuse ici). Filmé avec les moyens du bord (à savoir une caméra 16 mm) qui renforce son aspect réaliste et documentaire, ce journal de bord filmique touche à des thèmes durs mais profondement humains, bien loin de la simple exploitation horrifique, comme la solitude, l’isolement social et la détresse affective, la folie, la rupture amoureuse, le deuil, la maladie, la mort,… Le spectateur ne peut alors que s’identifier à Mark.
Si son concept minimaliste, son visuel « téléfilm », sa thématique glauque et son rythme lancinant ne plairont clairement pas à tout le monde (évitez de regarder ce film si vous avez une petite tendance dépressive, par exemple), on ne peut que déplorer la rareté de métrages horrifiques parvenant à autant de réalisme et d’intensité dramatique. Car oui, pour les plus aventureux d’entre vous, I, Zombie arrivera à faire émerger de purs moments de spleen (dans la tragédie sans retour possible qui touche Mark) que vous ne retrouverez pas ailleurs. Ici pas de scène d’action spectaculaire, de recherche de remède ou du patient zéro mais bien une agonie interminable sur tous les plans possibles. Le casting est composé de proches ou des connaissances du réalisateur (acteurs de théâtre amateurs pour la majorité). Saluons la performance solide de Giles Aspen (dont c’est hélas le seul et unique film) qui porte totalement le métrage sur ses épaules. Ellen Softley y incarne Sarah, la touchante fiancée de Mark et reviendra dans les autres films du réalisateur. La musique (Parkinson…again!) est simple mais diablement efficace (écoutez moi ça, bord*l!). Côté influences et références, on pensera tour à tour à la body horror de Cronenberg (La Mouche particulièrement), à Tetsuo, au Mort-Vivant, à Martin, à Angst… bref, à tous les films où la véritable monstruosité est le sort réservé au héros (sauf Angst tout de même). Son propos social le rapprochera évidemment d’un Romero. Malgré que le film soit auto-financé, les maquillages sont réussis (Paul Hyett à ses débuts) et là encore, le réalisateur réussit le tour de force de ne virer dans le véritable gore qu’à la toute fin du film. De la même façon, il évite à son drame de basculer dans l’excès de pathos, en supprimant la maximum de longueur ou répétition.
Tourné et monté sur deux ans (il faudra en tout et pour tout quatre ans au film pour sa conception) et passé totalement sous les radars à l’époque de sa sortie (malgré un prix remporté au Festival of Fantastic Films et sa distribution par le magazine Fangoria), cet OVNI audacieux et intelligent connaîtra tout de même une suite spirituelle en 2001, Dead Creatures, du même réalisateur. Son concept sera repris par plusieurs films plus tardifs: Colin, Zombie Honeymoon, Thanatomorphose, Contracted,… Un pur film d’auteur qui vous restera en tête longtemps après le visionnage. Avec plus de budget et une meilleure exposition, je n’ose imaginer l’impact qu’il aurait pu avoir sur le cinéma de genre…
Ennemi d’État: Thriller technologique et conspirationniste traitant d’un thème terriblement d’actualité (la surveillance du peuple à son insu aux travers des technologies modernes) mêlant mafia, monde de la justice, héros dépassé par les évènements, assassinats politiques, NSA et vieux briscard insaisissable, il faut avouer que ce métrage donne l’eau à la bouche! Et Tony Scott réussit à proposer un métrage clair, prenant et nerveux. La principale ombre au tableau est son côté poussif car… Will Smith ne peut pas s’empêcher de faire… du Will Smith (aka du comique lourdingue et franchement dispensable) et c’est extrêmement dommageable à la fois pour le rythme et la crédibilité de son personnage! C’est rageant car ce Ennemi d’État haletant avait pourtant tout pour marquer les esprits! Gene Hackman s’en sort bien mieux, même si son personnage n’est pas non plus dans du très subtil (à l’image de la résolution du récit)! Il faut aussi reconnaître que le métrage a vieilli (technologiquement forcément mais aussi au niveau du ton employé) et les attentes du public ont bien changé depuis! Ca se regarde bien malgré tout!
The Strangers: Voilà un joli survival (bien que infusé de slasher, de drame et de fantastique) inspiré d’une histoire vraie! Scott Speedman et Liv Tyler (bien trop rare sur les écrans) y incarne un couple qui, de retour dans leur résidence secondaire, va se faire harceler toute une nuit par un trio d’agresseurs masqués (masques du plus bel effet, au passage) de plus en plus véhéments. Entre huis clos, couple en proie aux doutes, inversion des rôles (qui sont finalement les vrais intrus ici: le couple de citadins ou les rednecks locaux?), home invasion, The Strangers intrigue et maintient en haleine par sa subtilité (ici, pas de jumpscares car le moindre bruit constitue une menace), sa photographie et son sadisme froid qui n’est pas sans rappeler les films de Ti West! On pensera aussi plusieurs fois à You’re Next et Funny Games… La volonté de rendre les assaillants quasi muets est louable et renforce leur aura et leurs apparitions quasi surnaturelles (soit la vraie nature du slasher selon John Carpenter). Le plus gros défaut du métrage est qu’il se montre extrêmement avare en explications comme sur sa volonté d’étoffer ses personnages principaux… et finit donc par manquer cruellement de consistance! A l’image de sa fin aussi énigmatique qu’incompréhensible!
Alien, la Résurrection: Il est vrai qu’entre le suicide d’Ellen Replay dans Alien3 et Jean Pierre Jeunet qui hérite du projet alors qu’il est le quatrième choix de la Fox (on parlerait même de David Cronenberg)… ce métrage a tout du film de trop sur le papier! Heureusement, ce n’est pas tout à fait le cas! Bien rythmé, reprenant le concept du premier volet d’un équipage traqué dans un vaisseau par une espèce inconnue… ainsi que des aliens utilisés comme armes biologiques par la Weyland, ce surprenant « Alien 4 » se laisse agréablement regarder, même si on sent que beaucoup de choses ont déjà été dites avec les trois premiers opus! Si certains effets spéciaux (créés par des collaborateurs réguliers de Jeunet) sont salement datés, on retrouve aisément la patte du réalisateur: le filtre jaune-vert, l’humour noir ainsi que certaines trognes qui ont déjà tourné pour lui: Dominique Pinon et Ron Perlman. Et étrangement, ça fonctionne plutôt bien avec cet univers! Weaver quand à elle achève sa collaboration avec cette saga qui l’a révélé en incarnant un clone de Ripley plus charismatique que jamais, boostée par de nouvelles capacités (suite à son hybridation avec l’ADN alien): force, réflexes, sang acide, intuition,… Winona Ryder campe l’androïde Call, un personnage secondaire qui se révèle finalement comme un des plus intéressants du film. Alors évidemment, ça serait mentir que de dire que ce film innove énormement et enrichit la saga car il a grosso modo les mêmes défauts qu’Aliens à peu de choses près… mais ne serait ce que pour le plaisir de revoir le personnage de Ripley dans un film agrémenté de quelques bonnes idées (son ton pessimiste -et que dire de la fin de l’édition spéciale?-, son approche résolument SF, les clones ratés de Ripley, la relation ambigüe entre Call et cette dernière, une variante de reine alien, le perturbant New Born de fin) et bien lié à la mythologie (sans trop la salir comme le feront les opus suivants), il serait dommage de s’en priver!
Pour votre serviteur, sur les sept films que compte actuellement la saga, cet opus (injustement) mal aimé se situe justement pile après le trio de tête! C’est pas si mal!
Late Night with the Devil: Found footage/mockumentaire ayant eu son petit succès au moment de sa sortie, Late Night with the Devil montre les évènements paranormaux qui se sont succédés sur le plateau TV d’un talk show nocturne des 70’s jusqu’à ce qu’une séance de spiritisme avec une survivante d’une secte fasse définitivement basculer l’émission en bain de sang. On peut saluer le joli casting (à commencer par la solide prestation de David Dastmalchian) et les effets spéciaux/maquillages réussis (apparemment en partie générés par des IA), deux éléments qui portent le film sur leurs épaules. Le côté rétro est très bien mis en scène et le suspense admirablement entretenu, notamment grâce aux scènes sur les coulisses de l’émission. Dénonçant autant le sensationnalisme des médias (et le jusqu’au boutisme de leurs détenteurs) que les charlatans du paranormal, Late Night offre de jolis moments de terreur (on pensera forcément à L’Exorciste ou d’autres films fondateurs du genre) entrecoupés d’humour so 70’s, sans en perdre en efficacité. Le seul véritable défaut est plutôt à chercher du côté de son scénario, plutôt classique et donc prévisible. Malgré tout plus qu’un bête film d’épouvante, le métrage prend le temps d’installer une ambiance et approfondir ses personnages. S’il vous semble que le diable tarde à pointer leur nez, restez patient car le final halluciné risque bien de vous rester en tête!
Les Trois Jours du Condor: Il serait de temps de nous remettre à notre cycle « conspiracy thrillers », non? Peu convaincu par La Firmedu même réalisateur, j’ai donc lancé cet excellent thriller 70’s, porté par Robert Redford et Faye Dunaway (dont on pourra reprocher au personnage ambigu d’être sous-exploité) sans trop savoir à quoi m’attendre! Un film haletant narrant l’histoire d’un brillant cryptographe de la CIA traqué par sa propre organisation après l’assassinat commandité de toute son équipe. Bien rythmé mais parfois un peu osbcur dans ses explications, l’enquête sur les responsables du massacre s’accompagne d’un suspens qui va crescendo et d’une atmosphère paranoïaque particulièrement réussie. La romance « forcée » (passage obligé pour alléger le récit, on se doute bien), elle, l’est bien moins! Adapté du roman de James Grady et sans doute inspiré par les affaires du Watergate survenues trois ans plus tôt, le métrage dénonce la toute puissance et les dérives (en premier lieu leur corruption) des organisations politiques et de renseignements, thématiques soulignées par une fin nihiliste/cynique à souhait et le glaçant personnage incarné par Max Von Sydow. Servi par une remarquable jeu d’acteurs et un cadre urbain aussi terne que l’est devenu (depuis bien longtemps) le pays de l’Oncle Sam, ce film de Sydney Pollack est clairement un incontournable du genre!
RoboCop 2: Suite méconnue et mal aîmée mais néanmoins sympathique que ce Robocop 2! Il faut dire que le film avait pourtant tout pour plaire: les acteurs principaux du premier opus (Peter Weller, Nancy Allen, Dan O’Herlihy), un réalisateur loin d’être manchot (Irvin Kershner, responsable de L’Empire contre-attaque), le même univers urbain sordide et les mêmes thématiques désabusées. Alors oui, évidemment le film n’a ni la puissance ni la subtilité du sous-texte de celui de Verhoeven (pour sa défense, ce métrage a connu une production chaotique, entre faillite imminente d’Orion Pictures -c’est justement pour l’éviter que cette suite verra le jour-, grève des scénaristes) mais il nous donne tout de même ce qu’on attend de lui: encore plus d’action, de violence, de divertissement, des saillies satiriques. Le pitch pourra d’ailleurs rappeller celui de Terminator 2 sorti un an plus tard! Alors ne boudons pas notre plaisir, si toutes les suites de films cultes étaient de cet acabit! A noter que Frank Miller est au scénario, Phil Tippet et Rob Bottin aux effets spéciaux!
Vous connaissez peut être les circonstances catastrophiques du tournage de cet opus: David Fincher hérite de cette première réalisation en étant le cinquième choix de la Fox… et devant adapter au passage un scénario qui est déjà passé par quatre mains successives… On a vu mieux pour débuter sa carrière!
Opus mal aimé (sans vraiment de raisons, il faut bien le dire), Alien3est une suite directe d’Aliens, dans laquelle on suit Ellen Ripley, unique survivante du Sulaco qui vient de s’écraser sur la colonie minière et pénitentière Fiorina 161 (aux allures de monastère), ramenant également un petit souvenir de son précédant périple… On remarque dès le départ que cet opus se démarque par ses prises de vue audacieuses mais aussi et surtout son esthétique sombre et maîtrisée (tout en jeux de lumière et contrastes) qui le rapproche de l’opus de 1979.
Au travers de cet univers froid et réaliste, on retrouvera des thématiques propres à Fincher que l’on retrouvera en filigrane tout au long de sa carrière: nihilisme, bien et mal, humanité, marginalité, religion,… La fin tragique ne faisant que renforcer cette atmosphère désolée. On a également droit à un (délicieux) retour aux bases de la saga: un seul alien est présent ici, le complexe minier est labyrinthique et baigné dans la pénombre comme les couloirs du Nostromo (on déplorera par contre l’abscence d’esthétique gigerienne), ses occupants vont devoir lutter sans armes à feu (chasse à l’homme qui prendra également des allures de chasse au monstre). Bref, Fincher opte clairement pour un mélange de SF, de thriller et d’horreur (avec une part généreuse de gore), comme le premier opus de Ridley Scott! Même si, il faut bien le dire, la science-fiction n’est pas vraiment à la fête (seul point que j’accorderais volontiers aux fans du second opus). Nous sommes ici au plus près de la psychologie des personnages, de leurs pulsions et de leurs traumas, Ripley en tête. Sigourney Weaver crève une fois de plus l’écran en mémorable héroïne charismatique, véritable femme forte dans un monde masculin en proie à la peur et au doute! Sans non plus tomber dans la caricature (dans ta gueule Cameron!), comme en témoigne sa romance avec le Docteur Clemens (le très bon Charles Dance). On retrouve également l’idée que la Weyland-Yutani est prêt à tout tout pour ramener le xénomorphe afin d’exploiter son potentiel (l’occasion de revoir ce bon vieux Lance Henriksen). Alien3 est bel et bien connecté à la mythologie de cette saga et ça fait plaisir!
Malheureusement, la tension installée fera rarement mouche, la faute sans doute à un suspens trop progressif, un montage arbitraire et un effet de surprise fatalement absent. Il serait d’ailleurs intéressant de voir les différences de vision entre celle du réalisateur et celle du studio pour mesurer quelle a été sa réelle part de liberté dans ce projet mais… Fincher reniant le film encore aujourd’hui, on se contentera de quelques scènes coupées! Autres défauts: ses effets spéciaux parfois brouillons (voire clairement datés), son rythme inégal donc mais aussi son climax bordélique où les vues subjectives et les course-poursuites perdent autant le spectateur qu’elles filent la nausée!
En somme, un métrage loin d’être parfait mais qui propose (entre autres) un véritable univers, ce qui fait de cet opus la suite la plus qualitative de la saga! Pour une première réalisation, c’est costaud (n’en déplaise aux fans d’Aliens, oui, j’aime cracher sur les cons) et Fincher prouvera d’ailleurs toute l’étendue de son talent dès son film suivant: un certain Seven…
1- Ayant hérité d’un film dont le scénario n’était même pas achevé, Fincher a également dû réaliser Alien3 alors que sa date de sortie était déjà fixée par les studios. Résultat, il claquera la porte pile avant le début du montage, mettant du même coup sa carrière en péril…
2- Weaver a accepté de revenir dans ce troisième opus à la seule condition que son personnage n’y survive pas. En effet, en trois métrages, elle estimait avoir fait largement le tour d’Ellen Ripley.
3- Dès que la Fox a émis l’idée de cette suite, Ridley Scott a proposé d’explorer les origines du xénomorphe mais le projet demandait un budget trop conséquent…
4- Plus subtiles que les mutations des xénomorphes hybrides des opus suivants, le xénomorphe du film se déplace sur ses quatre membres et n’a pas d’appendices dorsaux, preuve que la créature conserve des caractéristiques de son hôte (un chien ou une vache, suivant la version que vous regarderez).
5- Le synopsis du film est un mélange de trois ébauches de scénarios précédemment écrits. Les rares idées non exploitées donneront la thématique principale d’Alien, La Résurrection. Au départ, cette seconde suite devait se concentrer sur les personnages d’Hicks et Bishop puisque Weaver n’était pas enthousiaste à l’idée de rempiler!
Les Bisseries 